Spurenelemente

Die Ausstellung Spurenelemente von Aya Onodera, die RL16 im Erdgeschoss zeigt, betritt man durch einen hinter der Türe von der Künstlerin installierten Vorhang aus Tüll. Da auch das Schaufenster zur Straße mit Stoff abgehängt ist, findet man sich in einer räumlich abgegrenzten, ganz auf die Betrachtung der Exponate konzentrierten, meditativen Atmosphäre wieder: Eine ideale Situation, könnte man sagen, eröffnen die präsentierten Gemälde und Zeichnungen auf Leinwand doch in ihrer sensitiven Bildsprache einen Raum sinnlicher Aufmerksamkeit.

In diesem besonderen Setting sind Arbeiten der Künstlerin aus den Werkgruppen Fragments (2013–2018) und Spurenelemente (seit 2018) zu sehen. In beiden verarbeitet und visualisiert Aya Onodera, die aus der japanischen Stadt Kesennuma stammt und seit vielen Jahren in Deutschland lebt, wo sie aktuell im Master bei Anselm Reyle an der HFBK in Hamburg studiert, in den ihr ganz eigenen Mal- und Zeichentechniken innere Bilder: Beobachtungen, Erinnerungen, Erfahrungen. Aya Onoderas Arbeiten kann man auch als Reflexion und Wiederaufscheinen ihrer eigenen Geschichte sehen – wobei die Bilder selbst in ihrer Offenheit für sich stehen. Die Künstlerin selbst sagt, dass ihre Bilder nicht vom Sichtbaren handeln, sondern im Tiefenbewusstsein Gespeichertes materialisieren.

Die organischen, teils fast schon überbordenden, flirrenden Gemälde der Reihe Fragments (Öl und Farbstift auf Baumwolle) ziehen den Blick in die Tiefe. Sie sind an verschiedenen Orten in Korea, Griechenland, Italien und Deutschland entstanden und widerspiegeln atmosphärische, landschaftliche Eindrücke. Fast entsteht der Eindruck, das Licht darin sei bewegt. Ähnlich (Röntgen-)Strahlen scheint es die Farbschichten zu durchdringen.

Für den Zyklus Spurenelemente, den Onodera 2018 während einer Rückkehr in ihre am Pazifik gelegene Heimatstadt begann, waren nach längerer Anwesenheit in ihrem früheren Zimmer und dessen Umgebung wiedererlangte Erinnerungen ein Auslöser: „Ich habe meine Spuren wiedergefunden und ich empfinde, wie ich dort früher gelebt habe.“ Die Farb- und Bleistiftzeichnungen auf weißgrundierter Leinwand zeigen rätselhafte, blau-grün-violette Schemen, aus denen die Farbe partiell auch wieder ausradiert wurde – und erinnern mal an eine reflektierende Wasseroberfläche, mal an medizinische Nahaufnahmen des Körperinneren oder an Rückstände von chemischen Reaktionen.

Beim Betrachten der ergänzend gezeigten Arbeit In a thin and deep fog 1 (2019), in der die Künstlerin zwei Leinwände locker mit einem weißen Leinenstoff überdeckt und sie damit gleichzeitig auch verbindet, kann man an Begriffe wie „Geheimnis“ oder „innere Verbundenheit“ denken. In eigenen Worten formuliert die Künstlerin damit ein „Gefühl der Unsichtbarkeit, der Unsicherheit und der brüchigen Verbindung …, ein Thema, das an menschliche Beziehungen in der heutigen Welt erinnert“.

Text: Barbara Buchmaier

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